BEIJING

Rebekka Steiger
"猫头鹰- virages nocturnes"

August 28 - October 21, 2018


Rebekka Steiger

blind blend, 2018
oil, tempera on canvas
190 × 240 cm

 

 

 

 

Galerie Urs Meile is pleased to announce the first solo exhibition 猫头鹰–virages nocturnes in China by Swiss emerging artist Rebekka Steiger (b. 1993, Zurich, Switzerland). We will present recent paintings and works on paper created during her residency at Galerie Urs Meile in Beijing. The Chinese part of the title is the mandarin word for ‘owl’ but literally translates into cat-headed hawk. The artist got across this word when she was looking for the historical meaning of a little bronze figure that she bought on the Beijing antiques flee market. The sculpture reminded her strongly of her often painted figures, meanwhile virages nocturnes is a colloquial term in French that describes a nightly stroll or being up in the night, meaning a nightly bend, turn or shift. This combination of the title coincides with what the artist wants to depict and deliver through her imageries.

Through layer-by-layer color rendering, Rebekka Steiger transforms her perception of emotions and atmosphere into mysterious and delicate art pieces, achieving unexpected visual results.

During her onsite artistic practice in Beijing 2018, Rebekka Steiger continued her usual creative style, but the change of the physical space to a foreign country also brought her more mind freedom and openness, while the failure of her accustomed navigation system opened up more possibilities. Due to regional differences, once familiar painting materials have caused unexpected “mistakes” and surprises. She also deliberately followed these surprises further along—abandoning her previous method of refer- encing old photographs and old books for inspiration in favor of a spontaneous approach of “action first, brush first,” thus folding the homesickness, restlessness, confusion and novelty of the outsider into her painting.

She draws on her sharper intuition, and allows her emotions to spread and fertilize freely before ultimately flowing onto the canvas. At the same time, unexpected new motifs find their way quite naturally into her paintings—a unicorn (another tired man lays down his hand, 2018, oil and tempera on canvas, 190 × 240 cm), a cat-eared woman (running for the flesh (of dinosaurs and men), 2018, oil, tempera, pastel and gouache on canvas, 200 × 240 cm), and mysterious plants seemingly from a fantasy dreamland (virages nocturne (under the volcano), 2018, oil, tempera, pastel and gouache on canvas, 240 × 200 cm).

These motifs are actually derived from the life experiences of the artist as a stranger to Beijing— the bronze owl bought from the antique market, the tall and straight black-skinned trees seen everywhere on roadside (for example blind bend, 2018, oil and tempera on canvas, 190 × 240 cm; back to the roots, 2018, oil and tempera on canvas, 50 × 70 cm). By repainting her “vocabulary of forms” over and over again, those figurative motifs go through constant metamorphosis, at times dissolving into the almost abstract (as seen in queen, 2018, oil and tempera on canvas, 50 × 70 cm). Some faintly recognizable shapes endow a certain rhythm to the picture, while others are ambiguous and lost in the utopian background, which leads the viewer to an unpredictable territory, the calm concealing potential danger (as seen in night shift, 2018, oil and tempera on canvas, 54 × 65 cm; and lady bird, 2018, oil, tempera and pastel on canvas, 170 × 240 cm). The “contradiction” between abstraction and representation, the expressive rendering of strong colors, as well as the presentation of figurative content without imposing a straight narrative on the viewers’ interpretation, is what not only makes the painting itself intriguing, but also unsettling.

Born 1993 in Zurich, Switzerland, Rebekka Steiger is a young emerging artist who chose painting as her artistic medium, in which she expresses herself in a virtuoso manner. Her solo exhibitions include: Sykomore, Kabinettausstellung, Kunstmuseum Luzerne, Lucerne, Switzerland (2017); Helen Faigle, Zurich, Switzerland (2015). Group shows include: Extended Ground, Galerie Urs Meile, Lucerne, Switzerland (2017); Rebekka Steiger and Sven Egert, Luzerner Kantonalbank, Lucerne, Switzerland (2017); Jahresausstellung Zentralschweizer Kunstschaffen, Kunstmuseum Luzern, Lucerne, Switzerland (2016).

LUCERNE

Ju Ting
"Ju Ting"


Exhibition Views

September 13 - October 27, 2018
Opening: September 13, 2018; 5.30 - 7.30pm


Ju Ting

Untitled 071516, 2018
acrylic on board
130 x 119 x 10 cm

 

 

 

Ju Ting
Ju Ting


2018 (english)

Galerie Urs Meile is pleased to announce the opening of the first solo exhibition in the west of the emerging Chinese artist Ju Ting (*1983). Her works are characterized by coalescing two conventional art media: painting and sculpture, and obscuring the boundary between the two. Being made of paint and occupying a two-dimensional picture plane, Ju Ting’s works seem to align themselves with the category of painting. However, they have a clear feel for the sculptural in both form and texture deconstructing the realms of painting.

Graduating in printmaking from the Central Academy of Fine Arts in Beijing in 2013, Ju Ting assumed the role of an independent artist with an orientation towards painting. However, far from committed to conventional expression, she began to experiment with manipulating images and familiar motifs using printmaking tools and techniques to carve not copper plates or woodblocks, but thick layers of paint slathered onto the flat surface of a wooden board. Working on the Pearl series with the skill and precision of an engraver, Ju Ting cuts through the paint, and shovels up fine strings from the surface to partially reveal what lies beneath. One example is Pearl 042418 (2018, acrylic on board, 97 x 97 x 7 cm). Permeating the depth of multiple layers of acrylic paint, a tactile visual synesthesia is created. Sharing the feature of starkly patterned reliefs, the +- series differs such that the artist doesn’t remove strings entirely from the surface, but re-lays them upwards on the uncut portion of the paint surface.

As her language evolved, Ju Ting became more comfortable with her abstract visual idiom. Given the malleable plasticity of acrylic paint, she is able to manage layers of paint in a more intuitive and sensory way. Thus, the Untitled series finds its form. Various single tones of acrylic paint are applied on a board lying flat on the floor. The paint is applied with a printmaking squeegee as a brush or palette knife and then left to dry without fully hardening. The combination is then ready to be peeled off and transformed into a new composition. In appearance, the Untitled series holds the richness of acrylic pigment – on occasion, top layers are as glossy as a well-varnished masterpiece. A fine example is Untitled 071618 (2018, acrylic on board, 195 x 240 x 9 cm), an arresting medley of cold tones. Bright cool green, lavender and pink lie beneath a film of deep cadmium blue that has a seductive sheen sharing the qualities of dark chocolate. Untitled 062218 (2018, acrylic on board, 190 x 156 x 9 cm), a medley of intense cobalt blue contrasting cadmium yellow, together with milder shades of green and violet. Untitled 062318 (2018, acrylic on board, 190 x 167 x 9 cm) foregrounds a sombre Chinese bronze against the recurrent green and violet in different hues. Entering a different key, Untitled 062118 (2018, acrylic on board, 110 x 109 x 7 cm) blends a layer of acid green against dark lavender and cerulean, which like the tiny slit of amber on the right edge of the surface, are colours that the artist is fond of using.

Tones in Ju Ting’s oeuvre are used in a way that combines nostalgia with the clarity of contemporary machine production. Ju Ting has always been partial towards pigments that denote the past. These combinations exude moods which can be subtle, and also dramatically different. Given the sensuous charge of dynamic tones in the works, one can hardly ignore the texture- one of butter cream-meets-silica gel. Acrylic is dense, and when used in this manner, accumulates a substantial weight. As the layers are built, they seem almost too heavy to bear their own weight. At the same time, after applying the different layers, Ju Ting occassionally deconstructs the surface by removing or manipulating parts of it. Her technique adopts a working process that embraces incidental accidents and seemingly runs up against the idea of perfectionism. She subsumes them masterfully into the surface texture as a functioning element of her aesthetics. It allows her to raise the picture plane inches in thickness, whilst retaining a sense of lightness, of light passing through the surfaces, even as each piece accumulates a mass and weight far beyond what they suggest. 

(The above text includes excerpts from Karen Smith’s essay Ju Ting: Onion Skins written for this exhibition.)

Ju Ting was born in Shandong in 1983. She graduated from the Printmaking Department with a BA in 2007, and with a master in 2013. She lives and works in Beijing. Her solo shows include: Peeling an Onion, OCT Contemporary Art Terminal, Xi’an, China (2017); Color Has the Answer, YISHU 8, Beijing, China (2013). Recent group exhibitions include: Extended Ground, Galerie Urs Meile, Lucerne, Switzerland (2017); The First Exhibition of Young Artists at the National Art Museum of China, National Art Museum of China, Beijing, China (2016); A New Generation of Chinese Women Artists, Eli and Edythe Broad Art Museum at Michigan State University, East Lansing, USA (2016); Painting as Strait Gate: Post-80s Artists Invitation Exhibition, Hive Center for Contemporary Art, Beijing, China (2016); It’s Not Right But it’s Okay, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing, China (2015).




2018 (deutsch)

Die Galerie Urs Meile freut sich, die Eröffnung der ersten Einzelausstellung der chinesischen Nachwuchskünstlerin Ju Ting (*1983) im Westen anzukündigen. Ju Tings Arbeiten zeichnen sich dadurch aus, dass sie zwei traditionelle künstlerische Medien verschmelzen, Malerei und Plastik, und die Grenze zwischen beiden verschwimmen lassen. Da sie aus Farbe bestehen und eine zweidimensionale Bildfläche aufweisen, scheinen sich ihre Werke in die Kategorie der Malerei einzuordnen. Sie erwecken jedoch in ihrer Form und Beschaffenheit einen deutlich plastischen Eindruck und dekonstruieren so die Sphären der Malerei.

Ju Ting schloss 2013 ihr Studium der Druckgrafik an der Zentralen Akademie für Bildende Kunst in Beijing ab, um sich anschließend als freie Künstlerin der Malerei zuzuwenden. Statt sich jedoch einer konventionellen Ausdrucksweise zu verschreiben, begann sie damit zu experimentieren, Bilder und bekannte Motive mit Druckgrafik-Werkzeugen zu bearbeiten, um nicht Kupferplatten und Holzblöcke, sondern dicke Farbschichten zu kerben, die auf die plane Oberfläche einer Holzplatte aufgetragen sind. In ihrer Pearl-Serie hat Ju Ting mit dem Geschick und der Präzision eines Graveurs in die Farbe hineingeschnitten und dünne Fäden aus der Oberfläche gegraben, die einen Blick auf das freigeben, was darunter liegt. Ein Beispiel ist Pearl 042418 (2018, Acryl auf Holztafel, 97 x 97 x 7 cm). Im Durchdringen der Tiefe mehrerer Schichten von Acrylfarbe entsteht eine fühlbare visuelle Synästhesie. Auch Ju Tings +- Serie ist durch solche stark dessinierten Reliefs charakterisiert, unterscheidet sich jedoch dadurch, dass die Künstlerin die Farbsträhnen nicht einfach aus der Oberfläche entfernt, sondern auf dem oberen ungeschnittenen Teil der Farbfläche neu arrangiert.

Mit zunehmender Entwicklung ihrer Sprache wurde Ju Ting freier in ihrem abstrakten visuellen Idiom. Durch die geschmeidige Plastizität von Acrylfarbe kann sie Farbschichten auf intuitivere und sinnlichere Weise bearbeiten. So findet die Serie Untitled ihre Form. Mehrere einzelne Acrylfarbtöne werden auf eine Platte aufgebracht, die flach auf dem Boden liegt. Die Künstlerin trägt die Farben mittels eines Wandfarbrollers oder Spachtels auf und lässt sie anschließend trocknen. Bevor sie jedoch ganz aushärtet, ist die Farbkombination in einem Zustand, in dem sie abgezogen und in eine neue Komposition verwandelt werden kann. In ihrer optischen Erscheinung besitzt die Untitled-Serie die Sattheit von Acrylpigmenten – wobei mitunter die oberen Schichten wie der Firnis eines alten Meisterwerkes glänzen. Ein ausgezeichnetes Beispiel ist Untitled 071618 (2018, Acryl auf Holztafel, 195 x 240 x 9 cm), ein faszinierendes Gemisch kühler Farbtöne. Ein helles frisches Grün, Lila und Rosa liegen unter einem Film aus tiefem Kadmiumblau, dessen verführerischer Schimmer an Zartbitterschokolade denken lässt. Untitled 062218 (2018, Acryl auf Holztafel, 190 x 156 x 9 cm) wiederum ist eine Mischung aus intensivem Kobaltblau und als Kontrast Kadmiumgelb, ergänzt um sanftere Schattierungen von grün und violett. Untitled 062318 (2018, Acryl auf Holztafel, 190 x 167 x 9 cm) hebt eine dunkle chinesische Bronze im Vordergrund vor einer Reihe unterschiedlicher Violett- und Grüntöne ab. Untitled 062118 (2018, Acryl auf Holztafel, 110 x 109 x 7 cm) schlägt einen anderen Ton an und verbindet eine Schicht Lichtgrün mit dunklem Lila und Coelinblau – wie der kleine Spalt Bernsteingelb am rechten Rand der Bildfläche Farben, die die Malerin gern verwendet.

Farbtöne kommen in Ju Tings Werk in einer Weise zum Einsatz, die Nostalgie mit der Klarheit einer zeitgenössischen Maschinenproduktion verbindet – für Pigmente, die Vergangenheit symbolisieren, war Ju Ting schon immer eingenommen. Diese Kombinationen erzeugen Stimmungen, die unterschwellig, zugleich aber auch dramatisch unterschiedlich sein können. Angesichts der sinnlichen Aufladung der dynamischen Farbtöne in den Arbeiten kann man ihre Textur – in der sich Buttercreme mit Kieselgel trifft – kaum ignorieren. Acrylfarbe ist relativ dicht und erreicht, wenn sie so eingesetzt wird, ein beträchtliches Gewicht. Wenn die Schichten aufgebaut werden, scheinen sie fast zu schwer zu sein, um ihr eigenes Gewicht zu tragen. Gleichzeitig dekonstruiert Ju Ting, nachdem sie die verschiedenen Schichten aufgebracht hat, mitunter die Oberfläche, indem sie Teile von ihr entfernt oder bearbeitet. Ihre Technik nimmt zufällige Vorgänge auf und stemmt sich anscheinend gegen die Idee der Perfektion. Meisterhaft bettet sie sie als ein funktionierendes Element ihrer Ästhetik in die Oberflächentextur ihrer Arbeiten ein. Dies erlaubt es ihr, die Dicke der Bildfläche um mehrere Zentimeter zu erhöhen und zugleich ein Gefühl der Leichtigkeit zu bewahren, den Eindruck von Licht, das durch die Oberflächen fällt, obwohl jedes Werk viel mehr Masse und Gewicht besitzt, als es vermuten lässt.

(Der obige Text enthält Auszüge aus Karen Smiths Essay Ju Ting: Onion Skins, der für diese Ausstellung geschrieben wurde.)

Ju Ting wurde 1983 in Shandong, China geboren. 2007 absolvierte sie den Bachelor und 2013 den Master im Fachbereich Druckgrafik der Central Academy of Fine Arts (CAFA). Sie lebt und arbeitet in Beijing. Zu ihren Einzelausstellungen gehören: Peeling an Onion, OCT Contemporary Art Terminal, Xi’an, China (2017); Color Has the Answer, YISHU 8, Beijing, China (2013). Ihre jüngsten Gruppenausstellungen umfassen unter anderem: Extended Ground, Galerie Urs Meile, Luzern, Schweiz (2017); The First Exhibition of Young Artists at the National Art Museum of China, National Art Museum of China, Beijing, China (2016); A New Generation of Chinese Women Artists, Eli and Edythe Broad Art Museum at Michigan State University, East Lansing, USA (2016); Painting as Strait Gate: Post-80s Artists Invitation Exhibition, Hive Center for Contemporary Art, Beijing, China (2016); It’s Not Right But it’s Okay, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing, China (2015).

Aus dem Englischen von Michael Adrian